BEATRIZ GIL GALERÍA EN PINTA LIMA 2026

Encuéntranos en el stand G2 del jueves 23 al domingo 26 de abril durante la 13ª edición de Pinta Lima en Perú.
Beatriz Gil

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Isabella Nebreda
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Casa Prado de Miraflores, Lima, Peru.

Ha realizado estudios de Técnicas de Torno y modelado en el Taller de Arte Fuego Cándido Millán (Caracas, 2007-2009); Taller de cerámica de baja temperatura en el Taller Arte ochocientos grados (México. 2017-2018); Taller de grabado y técnicas de impresión en el  Taller Laboratorio de Arte Múltiple LAMULI. (Cuernavaca, 2019). Así mismo es estudiante de la especialización en Museología de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV.  

Se ha desempeñado como asistente de anticuario (2015 hasta actualidad), y asistente la artista Valerie Marie Brathwaite (2016 hasta la actualidad). Expuso individualmente en la Sala Mendoza con Des- Arraigos. Y ha realizado distintas exposiciones colectivas, en Venezuela, México. 

Sus investigación visual deviene de procesos simbólicos y emotivos que le han permitido pensar en torno a la crisis migratoria venezolana desde una mirada autorreferencial, utilizando la cerámica como medio de expresión, mezclando elementos del lugar de origen al lugar de acogida.  

Isabel Cisneros es una creadora venezolana cuyos inicios se consolidan en el oficio de la cerámica a partir de la fabricación de piezas utilitarias. Sin embargo desde los comienzos de su actividad expositiva en 1989, indaga a través de este medio en una reflexión específica del arte contemporáneo, desplegando estrategias formales que le permitirán establecer diversos puntos de contacto y de ruptura entre las posibilidades de la cerámica como entidad formal y su ampliación conceptual como metáfora escultórica. Este ejercicio la ha llevado hacia la construcción de enlaces con otros materiales, donde el ensamblaje, el collage, la obra textil y el papel le han brindado una experiencia ampliada con la que afianza una valiosa cartografía visual.

Realizó estudios en letras y museología en la Universidad Central de Venezuela, Caracas. Estudió cerámica en el Instituto de Diseño de la Fundación Neuman, en la Asociación Venezolana de las Artes del Fuego, AVAF, en el Taller Escuela Arte Fuego, Caracas y en la Universidad de Lincoln, Estados Unidos de Norteamérica. Expone individualmente desde 1990, destacando las muestras: nu-dos, Galería Forum, Lima, Perú (2007); Flexible Sculpture. Mawson Gallery, Canberra, Australia (2008); Embebidas, Faría+Fábregas Galería, Caracas, Venezuela (2009); Ablandando hasta el agua, Galería D’Museo, Caracas, Venezuela (2013) y Traslaciones, obra reciente de Isabel Cisneros en el Centro Cultural BOD (2019).

Entre los galardones obtenidos por su trabajo, destacan el Award of Encouragement, XI Cloisonnée Jewelry Contest (1998); el premio Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado Carabobo, XXXI Salón Nacional de las Artes del Fuego (2004); el premio Ciudad de Valencia, XXXIII Salón Nacional de las Artes del Fuego (2006); el premio Cerámica Carabobo, XXXV Salón Nacional de las Artes del Fuego (2008); el XXXVI Premio Nacional de las Artes del Fuego, XXXVI Salón Nacional de las Artes del Fuego. (2009); el Premio Nacional de Escultura, X Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez (2009), Gran Premio BOD de Artes Visuales, Centro Cultural BOD, Caracas, (2017), el Premio Gego del Colegio de Arquitectos de Venezuela (2024) y el primer premio en "Three Dimensional Format" de la XI World Textile Art Biennial – The Four Elements, (2025).

Alicia Coles es una artista plástica y escultora venezolana cuya práctica se sitúa en la intersección entre la estructura, la materia y el espacio. Su trabajo explora las tensiones entre orden y caos a través de entramados, líneas y geometrías que, lejos de permanecer estáticas, se deforman, se quiebran y se reconfiguran, revelando la fragilidad de los sistemas que habitamos.

Formada en diseño gráfico en Caracas y posteriormente en la School of Visual Arts de Nueva York, donde recibió reconocimientos por excelencia artística, Coles ha desarrollado un lenguaje propio que transita entre lo bidimensional, lo escultórico y la instalación. Su obra se construye a partir de materiales ordinarios —como alambres, cemento o plásticos— que son manipulados para generar estructuras complejas, donde la repetición, la tensión y el error juegan un papel fundamental. 

A lo largo de su trayectoria ha presentado exposiciones individuales y colectivas en instituciones clave de Caracas, destacando su muestra individual Indescifrable Realidad en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, así como su participación en salones y bienales como el Salón Arturo Michelena y la Bienal de Miniaturas Luisa Palacios. Su práctica también se ha expandido hacia lo escénico, como en la producción de La vida es sueño (2024), donde sus esculturas e intervenciones espaciales dialogaron con el lenguaje teatral.

Darío Escobar es uno de los artistas más destacados de su generación en Centroamérica. Su práctica se ha caracterizado por cuestionar las jerarquías entre arte, diseño y cultura popular, a través de la apropiación y reconfiguración de objetos cotidianos —como balones, herramientas o estructuras deportivas— que inserta en el espacio expositivo con una precisión formal cercana al minimalismo.

A lo largo de su trayectoria, Escobar ha desarrollado un lenguaje que oscila entre la escultura, la instalación y la pintura, explorando temas como la circulación de los objetos, los sistemas de valor y las tensiones entre lo local y lo global. En años recientes, su trabajo ha incorporado materiales y técnicas de origen prehispánico, ampliando su investigación hacia una revisión crítica de la historia y los saberes materiales de la región.

Su obra ha sido exhibida internacionalmente en instituciones y bienales de gran relevancia, y forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre ellas las del Solomon R. Guggenheim Museum, el Pérez Art Museum Miami, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires y la Cisneros Fontanals Art Foundation, entre otras.

A través de una práctica rigurosa y en constante evolución, Escobar ha contribuido a redefinir las formas en que el arte contemporáneo latinoamericano dialoga con sus contextos culturales, materiales e históricos.

Cecilia Paredes ha vivido en Mexico DF y Roma por varios años, para luego establecerse por 24 años en San Jose, Costa Rica. En la actualidad, está residenciada en EE UU, específicamente en Filadelfia, donde dicta clases de arte en la universidad de Pensilvania. En esta dinámica transterritorial, Paredes ha profundizado, permanente, en su formación académica y profesional como artista. Vive y trabaja entre Estados Unidos y Perú, manteniendo siempre su gran conexión afectiva con Costa Rica. 

Desde sus inicios, Paredes ha centrado su obra en la noción líquida del desplazamiento continuo y la adaptación del individuo a la soberanía de la naturaleza, a partir de una perspectiva universal y ontológica. La artista es capaz de producir objetos con un alto poder expresivo. Cada obra es colección en sí misma y cada elemento es un registro con historia. Ella, crea paisajes donde utiliza su propio cuerpo como lienzo.

Su trabajo ha estado expuesto en mas de 12 países alrededor del mundo, incluyendo España, Inglaterra, Italia, Francia, Bélgica, Rusia, China, India, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia y Cuba. Paredes, recibió el Premio a la Excelencia Iberoamericana de Toro en Zamora, España, en 2022. Ese mismo año, le otorgaron el Premio a la Excelencia Estampa en Madrid. También, se ha hecho merecedora, como reconocimiento a su producción artística, del Premio a la Excelencia en la Bienal de Pingyao en China; Premio Nacional de Grabado en Lima, Perú, y el Primer Premio Bienal de Escultura en San José Costa Rica, país al que ha representado en la Bienal de Venecia. Realizó una residencia de la Fundación Rockefeller en Bellagio, Italia. Su obra forma parte de la colección del Museo de San Antonio, Texas, Museo del Barrio, Nueva York, Museo de Arte de Costa Rica, MoMA Moscú, Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, Museo de Arte Contemporáneo de Costa Rica, Universidad de San Antonio, Texas, Banco Mundial, Deutsche Bank, Universidad de Salamanca, España, IILA Roma, Italia, MOLAA Los Ángeles, Universidad de Navarra, España, Colección Pilar Citoller, Colección Jan Mulder, Banco Central, Costa Rica, Museo de Bellas Artes de Houston, Colección Olor Visual Barcelona, España, Jean Marie Gillé Bruxelles entre otros.

Tony Vázquez-Figueroa desarrolla una práctica multidisciplinaria centrada en el petróleo como símbolo fundacional y crítica a los mitos de la modernidad. Su obra examina la compleja relación entre los recursos naturales, las estructuras de poder y la identidad nacional, especialmente en el contexto del relato petroestatal venezolano. A través de instalaciones, esculturas y obras en medios mixtos, crea experiencias viscerales que confrontan al espectador con el peso material y simbólico del petróleo en la sociedad contemporánea del mundo.

Su trabajo ha sido presentado en espacios como SlatoParra Galerie (París), PAMM (Miami), Fundación Rozas-Botran y Beatriz Gil Galería. Forma parte de colecciones como PAMM, MOLAA y Lowe Museum. Ha recibido importantes reconocimientos, becas y premios en Estados Unidos y América Latina, consolidándose como una voz crítica en torno a la extracción de recursos, las problemáticas ambientales y la crítica política desde el arte.