Colectiva_26 Recíprocos: Colectiva de 12 artistas

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Con la intención de explorar el panorama del arte contemporáneo en la escena nacional y excediendo los límites geográficos del país, Colectiva_26 Recíprocos presenta la exhaustiva selección de la convocatoria de portafolios realizada en 2025, en la cual participaron más de doscientos creadores, cuyo resultado muestra una multiplicidad de contextos, propiciando un diálogo intergeneracional y desterritorializado. Esta libre circulación de conceptos se aleja de los discursos uniformes impuestos por el contexto global, a la par que existe una profunda necesidad de continuar reflexionando sobre la función del arte en medio del caos inminente.

En la naturaleza desbordada de esta muestra, se trazan varios puntos en común, tales como la reconstrucción de la noción idealizada de una feminidad obediente en las piezas de Daniela Alfonsina Reiter y Mafe García; en esta misma línea, Natheim y Rosa Gabriela Chávez transforman esa fuerza en un paisaje intimista, figurando un humo ancestral que habita un territorio imaginado. Por su parte, Eva Agüero visibiliza las severas políticas migratorias mediante una revisión histórica de los lenguajes de exotización y las prácticas neocoloniales. Enfrentando el torbellino de imágenes digitales a los que estamos sometidos, Hugo Rodríguez concibe su obra como un proceso artesanal que nace de la paciencia mística y la contemplación. Contrarios a la optimización técnica, Pülashi González y Santiago Sifontes apuestan por lo analógico de la transferencia gráfica y la polaroid apelando, de manera nostálgica, a la memoria colectiva como soporte. Se encuentran también Rafael Urbina, Atilio Doreste y Juancho Domínguez, profesores universitarios que se enfocaron en el quehacer plástico, poniendo especial atención a la sinestesia que sugiere la imagen y la espontaneidad del error; de la misma manera, Jorge Romero, transita la ruta de la escritura poética a una pintura ingenua que aborda el cuerpo femenino.

En la era de la posverdad, el alza de la inteligencia artificial y la disolución de la línea entre realidad y ficción, urge comprender la materia estética como un elemento vivo y un artefacto disidente. Por ello, encontramos que esta convergencia de la expresión creativa no ocurre en el vacío; está profundamente anclada en la lectura de un presente convulso. Las propuestas artísticas reaccionan de manera sintomática frente a las crisis estructurales de nuestra época. En última instancia, Colectiva_26 Recíprocos se erige como un mapa de las tensiones contemporáneas al agrupar esta pluralidad de voces en medio de la fragmentación del mundo actual, y desde la reciprocidad, para trazar un horizonte colectivo de nuestro presente.

María Alejandra Colmenares León

Es una artista venezolana que indaga en la carga simbólica de la migración utilizando la cerámica, la instalación y el vídeo. Su trabajo toma elementos icónicos del trópico, como palmeras y piñas, para reflexionar sobre una identidad frecuentemente reducida a lo decorativo y lo exótico tras el desplazamiento. Ha exhibido su trabajo en espacios como el Salón de Jóvenes con FIA en Caracas y el Museo CICA en Gimpo (Corea del Sur). Galardonada con el premio Outstanding Student Achievement in Contemporary Sculpture del International Sculpture Center, y recientemente participó en el reconocido programa Skowhegan School of Painting & Sculpture en Estados Unidos.

Es un narrador visual y fotógrafo cuya práctica se centra en el tránsito callejero. Ejerció como profesor de Economía Política en la Universidad Central de Venezuela. Su obra se desarrolla a partir de una mirada atenta al pulso de la ciudad, sus habitantes y las transformaciones de la vida cotidiana. A través de la fotografía, registra la fugacidad de escenas urbanas irrepetibles, en las que confluyen luces, sombras, colores, arquitectura y movimiento. Su trabajo se construye desde la espontaneidad de la calle y de sus protagonistas, evitando la pose para capturar momentos de particular autenticidad. Más que responder a un proyecto específico, su práctica encuentra en la propia ciudad su principal objeto de investigación y en la realidad cotidiana una fuente inagotable de imágenes. El cuerpo de trabajo que presenta reúne escenas de Caracas como fragmentos de una sociedad en constante transformación, articuladas por una mirada que busca otorgar coherencia al caos y revelar, a través de la imagen, el ritmo y la esencia de la ciudad.

Artista visual y sonoro, investigador interdisciplinar y Profesor Titular de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Su trayectoria de más de tres décadas se desarrolla en torno a las relaciones entre arte, paisaje, territorio y pensamiento crítico, con especial atención al sonido y la fonografía. Dirige el grupo de investigación Taller de Acciones Creativas (TAC) y el laboratorio de arte sonoro Auriculab, y ha presentado su obra en instituciones y festivales de España y otros países. Su práctica articula intervenciones en el paisaje, instalaciones electroacústicas, experimentación sonora y lenguajes plásticos desde una perspectiva transdisciplinar. Umamis surge como una consecuencia plástica y una presencia silenciosa de sus investigaciones previas sobre el paisaje sonoro y la experiencia aural. La colección supone un retorno a la pintura, donde las vibraciones y elementos del universo sonoro se transforman en materia y presencia visual. Inspirada en el territorio costero de las Islas Canarias, articula tierra, agua, fuego y aire desde una mirada atravesada por el surrealismo isleño, convirtiendo el sonido en una experiencia sinestésica vinculada al sabor, la sal y una «concreción sonora» que puede ser probada con los ojos.

García se graduó en 1999 en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, y ​​luego estudió fotografía en la Escuela GRISART de Barcelona, ​​culminando sus estudios en 2003, fecha a partir de la cual se dedicó a la fotografía. Del 2006 al 2015 imparte clases de fotografía en el Centro de la Imagen de Lima.

En los inicios de su trabajo fotográfico se concentra en un estudio minucioso y detallado de los objetos/sujetos. Elige y analiza pequeños universos de objetos/sujetos personales y cotidianos como punto de pa rtida para intentar responder a una pregunta recurrente en su trabajo: ¿Cómo se construye la memoria?
Sus intentos más recientes presentan reflexiones sobre las convenciones sociales que se han estructurado de manera invisible y poderosa en torno a la fotografía.las colecciones fotográficas de Mafe García hablan de las lecturas interminables, de la desmitificación de la fotografía como reflejo de lo real y del trabajo fotográfico como intento de regular y ordenar el mundo.

Influido por la observación de la naturaleza y el entorno, utiliza la fragmentación para componer nuevas miradas de la cotidianidad acercándose a la abstracción subyacente en formas y signos reconocibles del imaginario colectivo. Su indagación plantea una revisión de símbolos y objetos cotidianos que perdieron utilidad a causa de la obsolescencia planificada y propone una permanencia de estos elementos desde los recursos propios de la gráfica. González es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Los Andes (2019). Actualmente funge como impresor en el Taller de Artistas Gráficos Asociados Luisa Palacios TAGA desde el año 2020. Ha participado en concursos y muestras colectivas de carácter nacional e internacional, entre las que destacan, “Metamorfosis de un propósito” Galería ElRaise (Caracas, 2025), “24° Salón Jóvenes con FIA” (Caracas, 2024); “XVII Bienal de Miniaturas Gráficas”, TAGA (Caracas, 2023) y Carpeta Gráfica “Amalgama Gráfica Internacional VI Edición América”, Ediciones Pata Negra (Oviedo, 2022). 

Me importan los diversos modos de decir, el cuerpo, la palabra, las pausas, los silencios. Lo dicho y lo no dicho. Trabajo principalmente sobre lo que se niega, se ignora o se evade de lo próximo, lo cercano. Entrelazo relatos que me lleven a percibir la memoria sensible. Entiendo a la pregunta como una posición política en sí misma.

Desarrollo mi práctica artística a partir del lenguaje fotográfico. No restringida por la formalidad de su característica bidimensional, busco permanecer atenta a la singularidad de cada proyecto y articular con otros modos de producción en el proceso de construcción de sentido.

Es una creadora visual venezolana que trabaja con video, fotografía, instalación y performance, y cuya obra ha sido presentada en espacios como el Museo Alejandro Otero, la Galería de Arte Nacional y el Museo Jacobo Borges. Su investigación explora una concepción ampliada del eros, vinculando sexualidad, cuerpo, memoria, infancia, imaginación y lazos sociales. A través de obras híbridas y sensoriales, indaga en las tensiones entre realidad y fantasía, visible e invisible, estabilidad y ambigüedad, utilizando el agua como metáfora de la fluctuación y la ensoñación. Encarnada es un proyecto de investigación y creación visual que se materializa en un oráculo pictórico de 48 barajas arquetípicas. La obra establece un diálogo crítico entre lo sagrado y lo profano, la tradición esotérica, el surrealismo, la historia del arte, la cultura pop y la imaginería de internet. Organizado en torno a la carne, la sombra, el devenir y la revelación, el mazo propone una lectura del inconsciente contemporáneo. Su estética cruda, naïf y deliberadamente imperfecta convierte la deformación y lo «mal hecho» en una estrategia de resistencia frente a la pulcritud y la asepsia de la cultura visual digital.

Es un artista visual residenciado en Tovar, Mérida, formado en la Universidad de los Andes, donde actualmente es tesista, y profesor de dibujo y pintura en el Centro de Formación Cultural Elbano Méndez Osuna. Reconocido como pintor, recibió una distinción en el 23 Salón Jóvenes con FIA de 2023 por su obra …dedicado a quienes quedamos. Su propuesta pictórica se plantea como un acto de resistencia y reflexión ante un contexto dominado por imágenes efímeras y procesos digitalizados.
Desde allí, establece un diálogo entre la inmediatez tecnológica y la persistencia de lo tangible, articulando el proceso artesanal con la profundidad intelectual. El trabajo manual, la paciencia y la atención a la materia constituyen para él una forma de reafirmar la presencia humana y de devolver valor al tiempo dedicado a la creación.
Su práctica convierte el hacer en un espacio de concentración, donde pensamiento, emoción y concepto encuentran una forma concreta. La obra que presenta explora la relación entre materia, tiempo y proceso, a partir de un compromiso físico con la creación y de un diálogo íntimo con los materiales.
Este cuerpo de trabajo se plantea como un manifiesto sobre la paciencia y la huella del artífice, reafirmando la conexión entre la mano que crea y la mente que concib

Cuenta con más de dos décadas de trayectoria en las artes plásticas. Su acercamiento al arte comenzó a través de la poesía y la presentación de artistas, y en 1999 publicó una serie de poemas en el diario El Nacional. Posteriormente desarrolló su práctica pictórica, participando en exposiciones colectivas e individuales, entre ellas las realizadas en el Centro de Arte El Hatillo, el CELARG y el Museo Bárbaro Rivas de Petare, donde trabaja actualmente. En 2008 obtuvo el tercer premio de pintura de la Galería de Arte Nacional. Su obra entiende el arte como un espacio de exploración espiritual y de transformación interior. A través de la representación del cuerpo humano, particularmente del cuerpo femenino, desarrolla una investigación centrada en la belleza, la identidad y la dimensión simbólica de lo corporal. Su pintura establece vínculos entre el cuerpo, la espiritualidad y la condición humana, explorando la presencia de lo femenino como una dimensión fundamental de la experiencia y del origen.

Principalmente fotógrafo, el artista multidisciplinario ha enfocado su trabajo en la producción analógica de la imagen, así como también en la poesía, el collage y la producción audiovisual. Realizó estudios de Literatura comparada en la Universidad de Nueva York y obtuvo un diplomado en cinematografía en Madrid. Sifontes retrata la afectividad a través de retratos y recolección de imágenes de archivo. Su línea de investigación procura generar atmósferas nostálgicas, como un coleccionista de recuerdos. El uso de la polaroid es fundamental en su obra, sin embargo, suele utilizarlas como materia prima para realizaciones fuera de su formato original, como en este caso, collage digital y diversas intervenciones.

Se gradúa de arquitecto el año 77 en la Universidad Central de Venezuela
Desde el año 2005 es Profesor en la cátedra de diseño arquitectónico en Primer semestre FAU-UCV
A partir del año 75 entra a trabajar en la oficina del arquitecto Jesús Tenreiro-Degwitz con quién mantiene una estrecha relación profesional, hasta su muerte el año 2007.
Entre los años 84 y 87 estudia dibujo y pintura en el Art Students League en la ciudad de Nueva York. Desde 1993 es Profesor Asistente en la Universidad Central de Venezuela.

Participación en el 21st. National Conference on the Beginning Design Student con la ponencia “El Toque de las Manos y el Despertar del Sentir”.

2002 Exposición individual. Blue Notes. CELARG. Sala Arturo Uslar Pietri.
Miembro fundador del Círculo de Dibujo de Caracas